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Après des succès mondiaux comme Wake me up et SOS, en collaboration avec Avicii's, Aloe Blacc, la voix soul revient avec un nouvel album. En travaillant avec les producteurs Jonas Jeberg, Jugglerz, Jon Levine et Matt Prime, Blacc a créé son album le plus ouvert à ce jour. Cet opus a été élaboré avec la vision d'un Aloe chef de famille, mais il recèle aussi les premières chansons écrites par un auteur-compositeur devenu père, une aventure qui a encore développé une palette artistique déjà riche en émotions. L'album illustre l'extrême empathie et l'honnêteté émotionnelle qui a contribué à établir la renommée internationale d'Aloe. Généreux et chaleureux, puisant dans un mélange éclectique de soul, de folk et de pop contemporaine, All love everything prouve encore que cataloguer la vie humaine reste impossible. Un véritable hymne à la vie et à l'amour.

Le collectif formé par Arnaud Bonet, Pierre Della Monica et Nicolas Boisseleau, trois amis mordus de musique connus pour leurs mixtapes mensuelles, amoureux de la culture française, dévoilent leur premier opus. Une grappe de belles idées rassemblées en un album. Aller-retour concentre l'ADN de Bon Entendeur : il est composé de chansons revisitées des années 60-70 et de productions originales mêlées à des interviews. Le tout arrangé avec élégance. 14 titres et autant de ponts entre la musique et les mots, entre le passé et les sons du moment. PPDA raconte avec optimisme la France et son histoire sur un enchaînement de musique inédite. La Rua Madureira de Nino Ferrer et L'amour joué au violon et chanté par Jeanette sont réinventés, parfumés à l'électro.

L'album comprend 18 chansons originales, écrites et composées par la québécoise, enregistrées au cours de l'été 2008 à Montréal avec la complicité de Michel Weisinger, camarade de route et réalisateur de l'album précédent, Ma signature.

Les portes étendards de la cause touareg reviennent avec un neuvième album. Un retour aux sources pour ce groupe nomade, composant un studio d'enregistrement mobile au coeur des dunes mauritaniennes aux côtés de Noura Mint Seymali, posant leurs guitares sous les étoiles du Sahara. Un disque riche toujours engagé politiquement mais traitant de sujets sociétaux nouveaux tels que le réchauffement climatique, et notamment son impact sur leur terre natale qu'est le Mali. Ayant acquis au fil des albums une notoriété internationale désormais incontestable, le groupe collabore de nouveaux avec des invités prestigieux : le violoncelliste Warren Ellis (Nick Cave & The Bad Seeds), Cass McCombs, Rodolphe Burger ou encore Micah Nelson (Neil Young). Un documentaire réalisé par Celidja Pornon pour La Blogothèque retracera ce processus créatif unique.

L'amour, c'est comme la tombola : pas facile de tirer le bon numéro. Question de chance ou de... lucidité ? Prenez une hypnothérapeute en quête de stabilité sentimentale, amoureuse d'un père célibataire harcelé par une ex prête à tout pour ne pas être oubliée, y compris à traquer sa rivale. Ajoutez un zeste d'idéalisme et le rêve d'une relation parfaite. Cela donne un triangle amoureux à haut risque... La plume de Liane Moriarty, fine psychologue et observatrice mordante de la comédie humaine, ausculte nos peurs, notre obsession du bonheur et notre stupide conviction que l'amour, c'est tout blanc ou tout noir... au risque d'y voir flou !

De la berceuse d'ouverture A perfect miracle jusqu'au morse de Sail on through, Spiritualized tisse couche après couche un son glorieusement transcendant pour créer une collection de chansons envoûtantes et cinématiques. Les neufs titres rappellent avec une fluidité naturelle l'étendue et la puissance des sorties précédentes de Jason Pierce. Lors de la réalisation de cet album, il a maintes fois répété que ce serait le dernier de Spiritualized. Ses interviews de ces dernières années ont prouvé la frustration née de son intention de reproduire ce qu'il s'imaginait dans sa tête. Avec ce disque finalement terminé, pense-t-il toujours la même chose ?

Le musicien normand présente ici son premier album qui résonne bien au-delà de la sphère électro.

Cet enregistrement rassemble une série de compositions originales et une chanson traditionnelle qu'Avishai a écrites au cours de ces dernières années et qui n'étaient pas censées se retrouver sur un même album. Il se révèle pourtant d'une grande cohérence. Sur Arvoles, Avishai est rejoint par les membres de son trio, le batteur Noam David et le pianiste Elchin Shirinov, deux musiciens et compositeurs incroyables qui l'accompagnent en tournée.

Retrouvailles avec le grand guitariste et chanteur d'origine malgache, Tao Ravao, ici soutenu par Thomas Laurent à l'harmonica. Evocations du blues, des chansons folkloriques malgaches, du saudade du Cap-Vert, du forro brésilien, du calypso de Trinidad et des thèmes créoles français. L'empathie avec ce patrimoine est amplifiée par la virtuosité vocale et instrumentale des artistes interprètes de cet hommage aux musiques de la diaspora noire. Le titre de l'album est inspiré d'Aimé Césaire.

C'est l'histoire d'un jeune homme au visage à la légèreté ténébreuse. Il a 30 ans, est auteur compositeur. La France l'a vu en direct chanter les autres : Nouvelle Star 2008, Donny Hathaway, Bill Withers, Bashung. Finaliste. Médaille d'argent. Quand il chante, on devine assez rapidement qu'il a grandi avec le blues et la soul, et beaucoup d'autres choses qui n'appartiennent qu'à lui et qu'il s'apprête à offrir au monde. Son premier album est une carte d'identité sans filet, synthèse d'une existence, première pierre de son édifice à lui, acte fondateur et d'importance. C'est un disque pop (pour faire court car il contient bien des influences, bien des univers, bien des sentiments), de french pop, racé, fier et habité.

Ce sixième album, enregistré entre Los Angeles et Paris, raconte une femme qui regarde le monde, qui l'enlace pour mieux le porter, il parle au peuple, aux oubliés, à ceux qui souffrent et qu'on ne regarde jamais, il chante l'amour, celui qui déchire et celui qui élève, il chante les corps qui dansent, les âmes qui pleurent et qui luttent, il parle à un pays qui veut encore y croire, il convoque à la fois le groove et les sentiments, l'honnêteté viscérale et la mélodie qui emporte. Il tend surtout une main, il propose de ne jamais baisser la tête, ni la garde, il est furieusement vivant, il est pop, soul, aérien et intime, universel et profond.

A l'heure d'imaginer ce septième album, mais son premier pour le label AT(h)OME, Da Silva a fait table rase de son passé (plus ou moins) récent. Pour ce disque qu'il a un instant pensé enregistrer à Cuba, il a choisi comme fil conducteur de ne pas en avoir. Il rêvait surtout "de bordel, de désordre", de renouer avec ses premiers vertiges, en essayant d'être le moins professionnel possible, en redevenant un débutant "qui fait un peu n'importe quoi". Au revoir chagrin dévoile dix chansons (et ici, ce n'est pas un mot à prendre à la légère) aux personnalités bien trempées. Des chansons qui flirtent avec la pop (S'agapo), le reggae (Le garçon), la valse (Rien), et prennent un accent brésilien (Loin) ou mariachi (l'endroit de la douleur). Des chansons où l'on croit apercevoir les silhouettes de Tom Waits, Jean-Louis Murat et Brigitte Fontaine, où l'esprit du label Saravah semble s'être glissé dans les silences, où l'on croise Sylvie Hoarau de Brigitte ou Hakim Hamadouche, un proche du regretté Rachid Taha. Da Silva a pris ses responsabilités pour imaginer un album exotique et métissé, une invitation à un voyage musical et mélodique "loin du monde" tel qu'on le connait aujourd'hui.

Faire beaucoup avec peu : dans cet adage simple réside toute la beauté, surprenante et captivante, de l'album du trio. B.E.D, pour Baxter, Etienne, Delilah. Baxter Dury, le gentleman cabossé, l'extraordinaire gouailleur londonien, l'Anglais archétypique et Etienne de Crécy, l'un des hauts parrains de la French Touch, alliés dans l'aventure d'un album commun : vous n'étiez pas au courant, et nous non plus. Sacrée surprise. Mais la plus grande surprise est l'instantanée "coolitude" de cet album. Car B.E.D est cool. Très cool. Au sens le plus pur, le plus rare, le plus strict, le moins galvaudé du terme. Cool parce qu'il est punk dans l'esprit, primitif dans le geste et, finalement, diablement attirant dans la forme.

Il y a la mythologie : celle des livres, de la poussière et les histoires que l'on s'approprie. Bacchantes n'est pas un groupe d'aujourd'hui, ni d'hier. Les définitions ont ceci de passéiste qu'elles sont péremptoires. Elles sont quatre, ce sont des femmes. Ceci sont deux faits. Elles jouent du rock, ont monté un instrumentarium qui leur est totalement propre entre acoustique et électrique ; guitare, batterie, claviers et harmonium indien. Cela donne un cadre. Elles ont immédiatement su que la versatilité de leurs expériences serait un socle de construction artistique fort. Un cri au monde. Telles sont certaines intentions. Ces quinze dernières années ces quatre artistes ont arpenté des terrains variés participant à la singularité radicale du projet. La noïse furieuse dans Fordamage chez qui Amélie Grosselin a démontré comment faire corps en harmonie avec sa guitare dans un ballet intense, la pop plurielle où le choeur avait déjà toute sa place dans l'habillage d'un morceau pour Astrid Radigue au sein de Mermonte, le lyrisme radical du duo Sieur&Dame pour Claire Grupallo, et enfin la folk baroque et empreinte de naturalisme pour Faustine Seilman. Bacchantes est l'agrégat de ces personnalités, ces références, ces constructions musicales et de vie.